O primeiro trailer oficial completo de Backrooms, o aguardado filme de terror da A24 dirigido por Kane Parsons, finalmente foi lançado e já está gerando uma onda de discussões entre fãs de horror psicológico, creepypastas e produções independentes que viraram fenômeno global. Baseado no universo nascido como uma simples imagem perturbadora no 4chan em 2019, o longa promete transformar o conceito de “no-clipping” — aquele glitch existencial em que a realidade falha e você cai em salas monótonas, amarelas e infinitas — em uma experiência cinematográfica imersiva, com produção de alto nível e um elenco de peso. Com estreia marcada para 29 de maio de 2026 nos cinemas, o projeto marca a estreia de Kane Parsons na direção de longa-metragem e representa um dos casos mais fascinantes de como o horror digital da internet está conquistando as telonas. Se você já se sentiu desconfortável com espaços vazios, luzes fluorescentes zumbindo ou aquela sensação incômoda de “não era para eu estar aqui”, prepare-se: Backrooms pode ser o filme que vai definir o terror liminal da próxima geração.
A origem da creepypasta Backrooms: de uma foto anônima no 4chan ao fenômeno global de terror liminal
Tudo começou de forma quase acidental, como muitos dos maiores horrores da internet. Em 12 de maio de 2019, um usuário anônimo do fórum /x/ (paranormal) do 4chan criou um thread pedindo “imagens desconcertantes que simplesmente parecem ‘erradas’”. Junto com o pedido, ele postou uma fotografia aparentemente banal: um corredor ou sala com paredes amarelas desbotadas, carpete úmido e manchado, divisórias baixas e iluminação fluorescente forte, emitindo aquele zumbido característico que todo mundo já ouviu em escritórios antigos ou prédios públicos vazios.
Logo em seguida, outro usuário anônimo adicionou o texto que definiria para sempre o conceito: “Se você não tomar cuidado e der um no-clip fora da realidade nas áreas erradas, você vai parar nas Backrooms, onde não existe nada além do cheiro de carpete velho e úmido, a loucura do amarelo monótono, o barulho infinito de fundo das luzes fluorescentes no volume máximo e aproximadamente seiscentos milhões de milhas quadradas de salas vazias segmentadas aleatoriamente. Deus te ajude se você ouvir algo vagando por perto, porque com certeza ele já ouviu você.”
Essa combinação de imagem + texto explodiu. A comunidade rapidamente expandiu a lore: as Backrooms seriam um espaço extradimensional acessível por “no-clipping” — um glitch na realidade, como cair para fora do mapa de um videogame. Não é um lugar físico, mas uma dimensão paralela feita de espaços liminares (liminal spaces): ambientes que parecem familiares (escritórios, hotéis, shopping centers abandonados), mas estão completamente vazios, infinitos e ligeiramente “errados”. O desconforto vem exatamente dessa familiaridade distorcida: você reconhece o cenário, mas sabe que não deveria estar ali.
O conceito de terror liminal ganhou vida própria. Diferente do horror tradicional, que depende de jumpscares, monstros visíveis ou sangue, o terror das Backrooms é psicológico e existencial. Ele explora isolamento extremo, desorientação espacial, nostalgia perturbadora e a sensação de que a realidade tem “falhas” por onde algo pior pode vazar. Carpetes molhados, papel de parede amarelo descascando, o zumbido constante das lâmpadas e a ausência total de vida humana criam uma atmosfera de melancolia pesada e paranoia crescente. Muitos descrevem a sensação como “o vazio do existir”, uma solidão cósmica que faz o espectador questionar os limites entre o real e o artificial.
Daquele thread no 4chan, o universo se ramificou para Reddit, TikTok, Twitter e YouTube. Surgiram wikis colaborativas com centenas de “níveis” (Level 0 sendo o clássico amarelo, Level 1 com estruturas mais industriais, níveis com piscinas, hotéis, etc.), entidades perigosas e regras de sobrevivência. O fenômeno popularizou o gênero “analog horror” e “liminal horror”, influenciando jogos, animações e até discussões acadêmicas sobre estética digital e ansiedade contemporânea.
Kane Parsons (Kane Pixels): o jovem prodígio que transformou uma creepypasta em cinema de alto nível
Em 2022, um adolescente chamado Kane Parsons, conhecido no YouTube como Kane Pixels, tinha apenas 16 anos quando postou o vídeo “The Backrooms (Found Footage)”. Usando Blender e técnicas de CGI impressionantes, ele recriou fielmente a estética da creepypasta: câmera tremida em estilo found footage, o protagonista explorando salas infinitas, o som opressivo das luzes e uma tensão que cresce lentamente até o terror absoluto.
O vídeo viralizou de forma explosiva, acumulando dezenas de milhões de visualizações. Kane não parou por aí: lançou uma série completa, expandindo a lore com elementos originais, como a empresa fictícia ASYNC que realizava experimentos quânticos e acabou abrindo portais para as Backrooms. Seus vídeos se destacam pela qualidade técnica absurda para um criador tão jovem — iluminação, som design, edição e construção de suspense dignas de produções profissionais.
A A24, estúdio conhecido por elevar o terror a patamar artístico (com obras como Hereditary, Midsommar, The Witch e Talk to Me), percebeu o potencial. Kane Parsons se tornou o diretor mais jovem da história do estúdio a comandar um longa-metragem. Aos cerca de 20 anos em 2026, ele transforma sua criação amadora em um filme de orçamento profissional, mantendo a essência do found footage em partes, mas elevando a cinematografia, o design de produção e a narrativa emocional.
O que torna Kane especial não é apenas a técnica: é o entendimento profundo do que torna as Backrooms assustadoras. Ele preserva a simplicidade opressiva dos espaços vazios, o desconforto da monotonia infinita e a ideia de que o maior horror pode ser simplesmente estar perdido em um lugar que não foi feito para humanos.
Análise do primeiro trailer oficial: o que o vídeo revela sobre o terror das Backrooms
O trailer completo lançado pela A24 reforça a atmosfera liminal de forma visceral. Vemos cenas de uma loja de móveis (referência clara à “sala traseira” que muitos citam como porta de entrada), uma porta estranha no porão, e então a queda para o outro lado: corredores amarelos intermináveis, carpete molhado, luzes fluorescentes piscando e aquele zumbido constante que já está na cabeça de quem assiste.
O filme parece seguir uma psicóloga (interpretada por Renate Reinsve, indicada ao Oscar por Sentimental Value) que perde um paciente para essa dimensão e decide entrar para resgatá-lo. Chiwetel Ejiofor vive um personagem obcecado pela descoberta — possivelmente o próprio explorador que documenta tudo com uma câmera. O trailer mistura found footage com filmagem mais “elevada”, criando camadas: o terror da exploração solitária, a paranoia de ser observado por algo que não vemos completamente e a sensação crescente de que as Backrooms não são apenas um lugar vazio, mas algo vivo, que se alimenta da presença humana.
Elementos visuais chamam atenção: a repetição infinita de padrões arquitetônicos que começam a se degradar, como se o espaço estivesse “esquecendo” como imitar a realidade. Há também referências sutis ao universo expandido de Kane Pixels, incluindo possíveis entidades e estruturas mais complexas além do Level 0 clássico. O som design parece primordial: o trailer usa o silêncio quebrado apenas pelo zumbido, passos ecoando e ruídos distantes que fazem o espectador prender a respiração.
Muitos comparam a vibe com o “Mundo Invertido” de Stranger Things, mas as Backrooms são mais cruas e existenciais. Não há monstros amigáveis ou crianças com poderes — é puro desconforto ambiental e psicológico. A classificação R (equivalente a +18) indica que o filme não vai poupar o espectador de tensão prolongada e momentos de puro horror.
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Elenco de Backrooms: escolhas estratégicas que elevam o terror liminal a outro patamar
Um dos aspectos mais empolgantes de Backrooms é o elenco escolhido pela A24. Para um filme que nasceu como creepypasta e série de found footage no YouTube, trazer nomes de peso internacional não é apenas um upgrade de produção — é uma declaração de intenções. O estúdio quer transformar o conceito simples de “salas amarelas infinitas” em uma experiência cinematográfica madura, emocional e artisticamente ambiciosa.
Renate Reinsve (indicada ao Oscar por Sentimental Value / A Pior Pessoa do Mundo) vive a protagonista, uma terapeuta que decide entrar nas Backrooms atrás de um paciente desaparecido. Essa escolha é brilhante. Reinsve é conhecida por entregar performances nuas, vulneráveis e profundamente humanas. Em um filme onde o horror vem principalmente da atmosfera, do isolamento e da desorientação psicológica, ter uma atriz capaz de transmitir desespero, determinação e colapso mental sem depender de jumpscares é fundamental. Sua personagem, Mary Kline, carrega o peso emocional da narrativa: não é apenas uma exploradora, mas alguém lidando com culpa, perda e a fronteira entre sanidade e loucura ao confrontar um espaço que parece sugar a essência humana.
Ao lado dela, Chiwetel Ejiofor (indicado ao Oscar por 12 Anos de Escravidão, conhecido por Doctor Strange e papéis dramáticos intensos) interpreta Clark, um personagem obcecado pela descoberta das Backrooms. Ejiofor traz gravidade, inteligência e uma presença magnética que contrasta perfeitamente com o vazio opressivo do cenário. Seu papel parece explorar o lado mais científico e perigoso da exploração: a curiosidade que leva à ruína. A química entre Reinsve e Ejiofor promete ser um dos pilares do filme — dois atores dramáticos de alto calibre navegando por um terror existencial.
O elenco ainda conta com Mark Duplass (especialista em horror intimista, como na série Creep), Finn Bennett (de True Detective: Night Country), Lukita Maxwell (Shrinking) e Avan Jogia (Resident Evil: Welcome to Raccoon City). Essa mistura de talentos independentes, televisivos e de gênero cria um equilíbrio interessante: nomes conhecidos o suficiente para atrair público mainstream, mas com experiência em produções menores e mais atmosféricas, o que combina com a essência liminal do projeto.
A estratégia da A24 fica clara: usar atores premiados para ancorar emocionalmente um conceito que, na internet, muitas vezes é puramente visual e abstrato. Em vez de depender só de monstros ou efeitos visuais chamativos, o filme aposta na atuação para humanizar o horror. Isso pode diferenciar Backrooms de outros filmes de terror baseados em creepypastas, que frequentemente falham ao tentar expandir lore sem alma.
O que diferencia Backrooms dos outros filmes de terror da A24?
A A24 construiu sua reputação com terror “elevado”: Hereditary e Midsommar de Ari Aster exploram trauma familiar e cultos com simbolismo denso; The Witch e The Lighthouse de Robert Eggers mergulham em folclore e loucura histórica; Talk to Me traz possessão juvenil com frescor contemporâneo. Backrooms entra nesse catálogo como algo diferente: um terror ambiental e liminal, onde o verdadeiro vilão não é necessariamente uma entidade visível, mas o próprio espaço.
Enquanto filmes como Hereditary usam close-ups faciais e explosões emocionais, Backrooms deve apostar na longa duração das tomadas, na repetição arquitetônica e no som design opressivo (aquele zumbido constante das lâmpadas fluorescentes que já aparece no trailer). O horror aqui é lento, cumulativo e existencial — semelhante ao desconforto de Annihilation ou Under the Skin, mas com raízes digitais e internet culture.
Outro ponto de diferenciação é a origem. A maioria dos sucessos da A24 parte de roteiros originais ou adaptações literárias. Backrooms vem direto da cultura digital colaborativa: 4chan, Reddit, TikTok e a série de Kane Parsons. Isso traz um desafio e uma oportunidade: como transformar algo que os fãs já “conhecem” (o Level 0 amarelo, o no-clipping, a sensação de “você não deveria estar aqui”) em uma narrativa coesa de 105 minutos (duração oficial confirmada do filme)?
Kane Parsons, com apenas cerca de 20 anos na estreia, se torna o diretor mais jovem da história da A24. Isso injeta frescor e autenticidade. Ele conhece o material desde o começo — seus vídeos acumularam mais de 190 milhões de visualizações — e entende que o terror das Backrooms funciona melhor quando o espaço parece vivo, mesmo vazio. O roteiro de Will Soodik (com revisões) parece expandir a premissa simples do trailer: uma porta estranha no porão de uma loja de móveis (“Everything Must Go”) serve como portal para a dimensão.
Comparado a outros títulos do estúdio, Backrooms pode ser menos “art-house puro” e mais acessível, misturando found footage com cinematografia elevada. Isso pode atrair tanto fãs hardcore de horror quanto um público mais jovem que cresceu com liminal spaces no TikTok e Stranger Things.
Impacto cultural do terror liminal: por que as Backrooms ressoam tanto com a geração atual?
O sucesso das Backrooms não é aleatório. Elas representam perfeitamente a ansiedade da era digital. Vivemos em um mundo de algoritmos, feeds infinitos, espaços virtuais vazios e sensação constante de “estar perdido”. As salas monótonas, repetitivas e ligeiramente erradas espelham a experiência de scrollar sem fim no celular às 3 da manhã, ou de trabalhar em escritórios open space que parecem sugar a alma.
O conceito de liminal spaces — lugares de transição que geram nostalgia perturbadora (escolas vazias à noite, shoppings abandonados, corredores de hotel desertos) — explodiu com as redes sociais. As Backrooms pegam essa estética e adicionam camadas: isolamento extremo, impossibilidade de escapar e a sensação de que a realidade tem bugs. É horror sem jumpscares baratos, baseado em desconforto psicológico e existencial.
Para a geração Z e Alpha, que cresceu com internet, videogames (o famoso “no-clipping” de jogos como GTA ou The Sims) e analog horror, Backrooms fala direto ao inconsciente coletivo. É o medo moderno de desaparecer sem deixar rastros, de cair em uma fenda do sistema, de se perder em um universo que parece familiar mas hostil.
O filme chega em um momento perfeito: após anos de pandemia, home office e isolamento social, a ideia de um espaço infinito e vazio ganha novo peso. Kane Parsons soube capturar isso nos vídeos originais, e a A24 tem potencial para transformar essa sensação em experiência coletiva no cinema — lugar onde o zumbido das luzes, o carpete molhado e os ecos podem ser sentidos de forma imersiva.
