Die vergangenen fünf Jahre des Schreibens über das Spielegeschäft waren von einer kognitiven Dissonanz geprägt, die so schwer wog, dass sie sich oft wie ein Schleudertrauma anfühlte. Rekorderfolge in einer Woche, Rekordentlassungen in der nächsten. Studios veröffentlichen kritisch und kommerziell gefeierte Spiele, nur um wenige Monate später große Teile ihrer Kreativteams freizustellen. Jede zweite Schlagzeile handelt von finanzieller Düsternis, jede dritte von boomender Nachfrage und Rekordverkäufen.
Es ist kaum zu überschätzen, welcher Schaden dem Fundament der kreativen Seite der Branche seit dem Beginn der Massenentlassungen um das Jahr 2022 zugefügt wurde. Es geht nicht nur darum, dass Zehntausende Menschen ihre Arbeit verloren haben, was ihr Leben und ihre Karrieren durcheinanderwirbelte. Es gab schon vorher Abschwünge; aber der endlose Kreislauf, die langen Jahre, in denen die Hiobsbotschaften nie aufhörten, hat tiefere Narben hinterlassen, deren volles Ausmaß noch nicht erfasst ist.
Das Spielegeschäft war noch nie gut darin, Talente zu halten. Historisch gesehen verliert es jedes Jahr einen erheblichen Teil seiner erfahrensten Mitarbeiter, sobald diese ein Alter erreichen, in dem sich familiäre Verpflichtungen nicht mehr mit dem enormen Druck und der ständigen Unsicherheit von Spieleentwicklungsjobs vereinbaren lassen. Dies wird zu einem Teufelskreis: Der Verlust älterer, erfahrener Mitarbeiter und das Zurücklassen jüngerer Kollegen erlaubt es, dass die Kultur der Nachtschichten mit Pizza-Party-Feeling weiterlebt, lange nachdem sie für die Arbeitskultur und Produktivität eines Unternehmens aktiv schädlich geworden ist.
Die Dinge haben sich im Laufe der Jahre verbessert, wenn auch langsam und ungleichmäßig, aber die brutalen Entlassungen haben die Situation um viele Schritte zurückgeworfen. Ein 25-Jähriger, der gezwungen ist, in eine neue Stadt zu ziehen und nach einer Kündigung Schwierigkeiten hat, Arbeit zu finden, befindet sich in einer schwierigen Lage, kann aber oft über die Runden kommen, bis sich etwas ergibt. Ein 35-Jähriger mit zwei schulpflichtigen Kindern in derselben Situation hat diesen Luxus nicht – und wird, egal wie leidenschaftlich er für Spiele brennt, zögern, sich und seine Familie erneut einer solchen Verwundbarkeit auszusetzen.
Die Auswirkungen dieses Brain Drains – das leise Ausscheiden von Menschen mit unzähligen gemeinsamen Jahren an Erfahrung – werden noch lange zu spüren sein, nachdem sich die wirtschaftliche Lage erholt hat und die Massenentlassungen abflauen. Sie werden sich in versäumten Terminen, in Missverständnissen zwischen Teams, in schlecht spezifizierten Features zeigen, in Projektplänen, die es versäumen, wichtige, übersehene Aufgaben angemessen zu berücksichtigen; in unzähligen Rädern, die in den kommenden Jahren teuer in Studio um Studio neu erfunden werden.
Die unsichtbare Krise der Subunternehmer
Doch selbst diese Einschätzung mag das Ausmaß des Schadens unterschätzen, denn die Schlagzeilen über Entlassungen, so schrecklich sie sind, verbergen eine noch schlimmere Realität. Ein hervorragender Artikel über die Auswirkungen der Entlassungen auf Subunternehmer beleuchtet einen übersehenen Aspekt des Geschehens. Ein Teil des Grundes, warum die Arbeitskultur in Studios und Verlagen in den letzten Jahrzehnten scheinbar besser geworden ist, liegt tatsächlich an der explosionsartigen Zunahme von Subunternehmen und freien Mitarbeitern – ein nützlicher Weg, wertvolles Fachwissen an Bord zu holen, aber zumindest teilweise auch eine Methode, um Crunch-Bedingungen an Menschen auszulagern, die technisch gesehen nicht für einen arbeiten.
Es überrascht nicht, dass die Subunternehmer – eine Gruppe von Arbeitskräften, die kaum einen der Schutzmechanismen fest angestellter Mitarbeiter genießen – bei Entlassungen von festangestellten Studiopersonal noch härter getroffen werden. Bei einigen der größten Entlassungswellen der letzten Jahre betrug das Verhältnis von gestrichenen Subunternehmer-Positionen zu entlassenen festen Mitarbeitern 2:1 oder sogar 3:1. Die Zahlen der Entlassungen von Festangestellten sorgen für Schlagzeilen, aber Aussagen wie die Ankündigung, 50 % der Ausgaben für externe Dienstleister zu streichen, gehen im Lärm unter, obwohl dies wahrscheinlich Tausende zusätzlicher verlorener Arbeitsplätze bedeutet.
Es ist unmöglich, eine vollständige Bilanz zu ziehen, aber es ist durchaus wahrscheinlich, dass die Einbeziehung der Subunternehmer die tatsächlichen Entlassungszahlen der letzten fünf Jahre mindestens verdoppeln würde. Entlassen zu werden ist für jeden schrecklich, aber für Subunternehmer oder Outsourcing-Mitarbeiter kann es besonders destabilisierend sein. Diese sind oft durch Verträge gebunden, die es ihnen verbieten, über Projekte zu sprechen, an denen sie gearbeitet haben, was ihre Möglichkeiten bei der zukünftigen Arbeitssuche massiv einschränkt. Dies ist inzwischen auch für fest angestellte Mitarbeiter zu einem großen Problem geworden – es ist nicht ungewöhnlich, dass Entwickler mehrjährige Abschnitte in ihren Lebensläufen haben, die nur „Third-Person-Action-Adventure“ oder ähnlich vage Beschreibungen enthalten, weil das Projekt, an dem sie arbeiteten, eingestellt wurde und selbst sein Name unter einer Geheimhaltungsvereinbarung fällt.
Ein System am Kipppunkt: Warum eine Rückkehr zur Normalität unmöglich ist
Angesichts all dieser Störungen – nicht nur von Geschäften oder Projekten, sondern von Leben, und damit einer radikalen Zerstörung unschätzbarer Wissens- und Erfahrungsreserven – wird es zunehmend schwer, die Vorstellung zu akzeptieren, dass nach dem Ende der Turbulenzen einfach eine Rückkehr zur Normalität stattfindet. Jede Normalität, die aus diesem halben Jahrzehnt des lähmenden Chaos entsteht, wäre selbst eine verdrehte Parodie des „üblichen Geschäftsgangs“, in der jeder Tag damit verbracht wird, in Erwartung der nächsten Management-Unsicherheit zusammenzuzucken, die die Personalstände erneut von der Klippe stürzen lässt.
Es ist bei weitem nicht das erste Mal, dass das Gefühl aufkommt, dass es so nicht weitergehen kann – Bemühungen für ein gerechteres, stabileres und effektiveres Geschäftsmodell für die Spielerstellung gibt es seit mindestens dreißig Jahren. Ein grundlegender Wandel wird oft erst durch die Zerstörung des vorherigen Systems ermöglicht, und für viele Menschen fühlt es sich genau so an, als hätten die letzten Jahre genau das bewirkt.
Das Modell, wie es derzeit existiert, ist nicht nur für die Mitarbeiter unhaltbar, die von Monat zu Monat mit unerträglicher Instabilität leben und für die ein erfolgreiches Projekt und kommerzieller Erfolg keine Garantie für eine Weiterbeschäftigung sind. Es ist auch für die Studios selbst unhaltbar; die explodierenden Entwicklungskosten sind ein gut dokumentiertes Thema, und ein wesentlicher konkreter Effekt ist, dass die Anzahl der potenziellen Geldquellen für die Finanzierung groß angelegter Spielentwicklungen dramatisch geschrumpft ist. In diesem Jahrzehnt gab es massive Abflüsse von Kapital und Investoreninteresse aus dem Spielegeschäft, was nur sehr wenige Optionen für die Sicherung finanzieller Unterstützung für große Spieleprojekte übrig lässt; die Zahlen sind zu hoch, die Risiken zu gefährlich.
Der Weg nach vorn: Lehren aus dem Indie-Sektor
Wenn das derzeitige Paradigma sowohl für Mitarbeiter als auch für Studios kaputt ist, wie könnte ein neues aussehen? Niemand hat wirklich eine umfassende Antwort, aber es ist nicht überraschend, dass sich viele Blicke auf den Indie-Markt richten – nicht als komplettes Modell für die Zukunft, sondern als Hoffnungsschimmer, der zeigt, dass riesige Budgets, gequälte Entwicklungsprozesse und weitreichende Entlassungen nicht die einzige Option sind.
Der Indie-Sektor kann nicht alle Antworten liefern, aber er gibt klare Hinweise darauf, was möglich ist; er deutet an, dass es tatsächlich Optionen gibt, das derzeitige Paradigma zu ersetzen oder zumindest zu ergänzen, bei dem eine Handvoll großer, mächtiger Unternehmen die Kontrolle über die Projektfinanzierung haben und Tausende von Leben aus einer wirtschaftlichen Laune oder dem Auf und Ab einer Vorstandsstrategie heraus durcheinanderbringen.
Eine Option ist, dass die Strategien, die im Indie-Maßstab verfeinert wurden, effektiv auf die Prototypenentwicklung angewendet werden könnten – der schnelle Bau schlanker, durchdachter Proof-of-Concept-Builds, was moderne Werkzeuge und Techniken zugänglicher gemacht haben als je zuvor. Ein Modell, in dem unabhängig erstellte Prototypen eine zentrale Rolle spielen, würde dem Beispiel einiger Aspekte der Film- und Fernsehindustrie folgen; kleine, schlanke Teams, die mit Startkapital von spezialisierten Produktionsfirmen schnell Prototypen iterieren, mit der Absicht, diese Prototypen größeren Publishern vorzulegen, die dann um das Recht bieten, sie in die vollständige Produktion zu überführen.
Der große Gewinn winkt, wenn ein Publisher eine Option kauft und die vollständige Entwicklung finanziert – der Reiz für Publisher und Plattforminhaber liegt darin, dass sie die Achse, um die sich ihre kreativen Entscheidungen drehen, verschieben können, was ihnen weit mehr Sicherheit gibt und weit weniger Zeit mit der Verfolgung gescheiterter Projekte verschwendet. Anstelle einer chaotischen, unfokussierten internen Entwicklung von Grund auf (was viele Publisher ehrlich gesagt unglaublich schlecht können), konzentriert sich das Modell auf die Auswahl aus einer Reihe von gut durchdachten, gut geplanten Prototypen, die von erfahrenen Teams verfeinert wurden, und gibt dann Entwicklungsetats für die Umsetzung eines klaren, festen Plans aus.
Ein solcher Wandel wäre kein Selbstläufer – und ein solches Modell würde wahrscheinlich nicht isoliert existieren, sondern als Teil eines Ökosystems verschiedener Ansätze in einer vielfältigeren Industrie. Publisher müssten einige ihrer schlimmsten Gewohnheiten ablegen; Vorstandsetagen bräuchten ein langes Lineal, um denjenigen auf die Finger zu klopfen, die beginnen, sich in kreative Entscheidungen einzumischen. Die Vorteile für beide Seiten lägen jedoch in Zuversicht und Stabilität. Die Trennung der „Prototypen“- von der „Produktionsarbeit“ – mit Studios, die sich auf das Eine oder das Andere spezialisieren – würde die unangenehme Situation vermeiden, ein Studio in „Produktionsgröße“ zu haben, das plötzlich Hunderte von Mitarbeitern mehr hat, als es braucht, wenn ein Projekt endet und die Prototypenphase für das nächste beginnt – eine Hauptursache für die derzeitige Karriereinstabilität.
Dies ist bei weitem nicht die einzige Idee da draußen und mag nicht einmal dem ähneln, was schließlich als ein Modell oder eine Reihe von Modellen für Entwicklung und Kreativität in der Zukunft hervortritt. Was jedoch zunehmend klar erscheint, ist, dass es eine starke Entschlossenheit gibt, dass sich etwas ändern muss; die Dinge können nicht so weitergehen wie bisher. Dieses Gefühl geht über die Grenzen der Spieleindustrie hinaus; auch in Bereichen wie der Film- und Fernsehproduktion, die selbst in der Ära des Streamings und nach dem Zusammenbruch der Niedrigzinsfinanzierung ihre eigenen Qualen durchmachen, gibt es eine wachsende Bewegung, neue Wege zu finden, um ihre Branchen so umzugestalten, dass sie die Stabilität und Struktur bieten, die Kreative brauchen, um langfristige Karrieren aufzubauen und ihre beste Arbeit zu leisten.
So stark die Kraft der Rückkehr zum Mittelwert auch sein mag, ein grundlegender Wandel ist ebenfalls möglich – und auf lange Sicht wahrscheinlich unvermeidlich. Wenn so viel von dem Wald um uns herum niedergebrannt ist, werden nicht alle grünen Triebe, die sprießen, dieselben Bäume sein wie zuvor; und wenn so viele der wichtigsten kreativen Talente der Branche entschlossen sind, nicht zu den Systemen der Vergangenheit zurückzukehren, die in diesem Jahrzehnt so viel Zerstörung angerichtet haben, könnte die Trägheit für Veränderungen unwiderstehlich werden.
